Festival Mapping Me

En el siguiente enlace, se muestra un resumen de uno de los festivales de mapping más importantes de nuestro país.
Rodrigo Tamariz Music&Mapping  con trabajos de infografía y mapping arquitectónico, es uno de los pioneros del mapping en España desde 2009, con más de 50 espectáculos de videomapping y música. Además, imparte cursos y seminarios de Música y Videomapping en España. Pionero en regiones como Uruguay, Kenia y México. Actualmente es el coordinador y director artístico del Festival de Videoarte y Video mapping de Castilla y León - Mapping ME!(España)

Otras de las empresas importantes de video mapping son:

MdeMapping es una empresa pionera especialista en video mapping y contenidos visuales, cabe destacar sus nuevas aportaciones en la decoración mapping "DecoMapping" adaptándose a techos, suelos, paredes, muebles, objetos, etc.
El TigreLab es un estudio de diseño y comunicación multimedia, un laboratorio de ideas que combina motion graphics, programación, gráficos en 2D y 3D, ilustración y fotografía.

¿Cómo se hace un mapping?

Rodrigo Tamariz nos cuenta cómo se hace un vídeo mapping a continuación.
Le agradecemos enormemente su ayuda y colaboración para esta investigación.

APLICACIONES

El videomapping se puede proyectar como se ha anticipado sobre cualquier superficie, esto hace de ello que tenga varias funciones. Puede ser utilizado como método de negocio, como método de expresión, como acompañamiento para una celebración, etc.
A continuación, se explican algunas de las posibles distintas aplicaciones del mapping, que también podrían ser las del videoarte en general:

Producciones, arte y publicidad

El mapping es una herramienta que se ha llegado a utilizar en muchos aspectos, tanto artísticos, como meramente comerciales.
Es la cuestión de los nuevos coches, que, para darle publicidad a su nuevo producto, hacen presentaciones del vehículo con sus características mientras se proyecta un mapping sobre ellos.
Mapping arquitectónico o mapping building
Mapping para destaca edificios con valor histórico o arquitectónico.
Este tipo de mapping es el más utilizado globalmente en grandes capitales a nivel internacional, en eventos culturales, por ejemplo en España, la noche blanca de Bilbao. Su propósito es embellecer temporalmente el valor arquitectónico de un edificio, relatando la historia del lugar o simplemente darle un toque fantástico a la arquitectura.

Mapping Corporativo

Tiene mucho que ver con lo explicado anteriormente sobre el mapping en la publicidad. En este caso es también para presentación de productos, eventos de marca (Branding) y / o campaña publicitaria. Los mapping corporativos son utilizados por las agencias de publicidad. La diferencia es que los corporativos como tal utilizan escenarios de grandes edificios para darle mayor visibilidad e impacto a la proyección.
Es importante reseñar que últimamente los mini o micro mappings están revolucionando esta técnica ya que ofrecen formatos más pequeños y económicos. Esto es, se utiliza la misma técnica pero en superficies más pequeñas para poder ahorrar el coste tanto de equipamiento como de creación.
En cuanto al coste, Rodrigo Tamariz nos dice que se utiliza un proyector por cada 30 metros. Además, nos explica que existen proyectores de 16/9, 16/10 y 4/3, estos últimos ya en desuso.
Por otro lado, nos cuenta Rodrigo que se cobra unos 1000€ al minuto de mapping por cada creación. Y luego ya la técnica y el equipo lo contrata el creador puesto que no saldría muy rentable el alquiler del proyector (unos 2000€ por día, y se necesitan al menos 3 días para ajuste, medición y función) o el alquiler de la torre (unos 900€)

Mapping artístico

Es la opción alternativa y espectacular para escenografías de grandes obras de teatro, óperas y música en directo. No tiene más objetivo que embellecer y espectacularizar dichos eventos.
En el arte, como la escenografía, ya están comenzando a introducir los vídeo mapping en sus obras, ya que se ha visto y comprobado que es mucho más cómodo para proyectar y cambiar escenarios a gusto. También la proyección se utiliza para reforzar la historia que se quiere contar, es decir, que los actores muchas veces se mezclan con la proyección.

Mapping reconstructivo

El video mapping reconstructivo se usa para restaurar virtualmente un espacio perdido o desplazado de un elemento o conjunto patrimonial. Es el caso de un futuro mapping que se quiere realizar sobre la catedral de León, puesto que al perderse sus colores por el paso de los años quieren recrear sus colores con esta técnica.

TÉCNICAS

Como ya se ha ido explicando, para el mapping se necesita un equipo tanto de medición, como de hardware para la proyección, como de software para la creación. A continuación se mencionan algunos de los programas más utilizados y las técnicas utilizadas en cada proceso.

Foto métrica y generación del modelo 3D.

• Escáner laser
• Cámaras fotográficas.
• Lentes fotográficos sin deformación.

Cálculos y mediciones.

• Calculo isóptico
• Calculo de luz
• Análisis de color de la superficie
• Calculo de pixeles y resolución del plano general
• Diseño de posiciones, potencia y resolución de proyección
• Madmapper

Hardware de reproducción en vivo.
• Fuente (Ordenadores, servidores)
• Proyector y lente adecuada.

• Watchout
• D3
• Pandora Box
• Hippotizer

Software básico para corrección geométrica y mapeo.

• Resolume Arena
• Madmapper
• Millumin
• VDMX

Software para creación de contenido y efectos.

• After Effects
• Cinema 4D
• Blender
• 3D Max
• Maya
• Adobe Premiere

Software para sonido

• Nuendo
• Cubasse

Realidad aumentada

• Processing

COMPONENTES VIDEOMAPPING

Los componentes necesarios para realizar un mapping y proyectarlo son:
• Superficie de proyección
• Equipo para proyectar
• Técnicas (software, hardware…)
Superficie de Proyección
La superficie es el lugar donde quieres proyectar. Actualmente, está más de moda la proyección sobre monumentos y superficies arquitectónicas, es decir, el llamado mapping building. Sin embargo, no importa si la proyección es en exterior como en la fachada de un edificio o en interior como puede ser sobre un escenario. Es decir, hay mapping sobre edificios, sobre paisajes naturales, sobre coches, sobre caras de personas, sobre muebles, etc.
Por otro lado, el tamaño tampoco importa,  aunque hay que tener en cuenta que se ncesita mffj por cada proyecyor. Es decir, de manera lógica, cuanto más grande es el lugar de proyección más equipo es el que se ocupará para proyectar.
Cabe tener en cuenta el lugar donde quieres hacer tu video mapping, ya que este tipo de técnicas lucen más cuando se aprovecha la arquitectura del lugar. Por ejemplo, si quieres proyectar en un edificio se puede aprovechar mucho los marcos de la puerta o de las ventanas, las cornisas, las columnas etc. Si proyectaras sobre un coche es importante jugar con los elementos del mismo como las llantas, la puerta, los espejos, etc.
Equipo para proyectar
El equipo de proyección es todo aquel equipo que se utiliza para hacer la proyección una realidad. Se compone principalmente de proyectores, trusses, que son estructuras para sujetar y sostener el equipo, cables y servidores de video. En cuanto a los proyectores hay de todo: los hay pequeños, como los que encuentras en la sala de juntas de la oficina hasta los más grandes que se utilizan para cubrir edificios. Usualmente el tamaño de la superficie determina el número y tipo de proyectores con los que sales para el evento.
Los servidores de video son el punto de unión entre el equipo de proyección, el software de reproducción y el contenido. Estos equipos son ordenadores que controlan la gran mayoría de los aspectos técnicos del video mapping. Estos servidores de video pueden ser desde un portátil (para proyecciones pequeñas y de uno o dos proyectores) hasta equipo sumamente especializado para cubrir 8, 10, 20 o hasta 50 proyectores.

ELEMENTOS BÁSICOS PARA CREAR MAPPING:

Sin dudarlo, hay tres aspectos imprescindibles para un buen resultado de mapping: la luz, el sonido y la perspectiva.
La luz
Es evidentemente el elemento más importante en el mapping. Su uso es en el todo, con ello es posible ver y definir el espacio, los colores y las texturas de las animaciones proyectadas.
Utilizada de manera correcta, da lugar a la creación de la profundidad y la tridimensionalidad volumétrica que necesita la animación para crear la ilusión, que especialmente es en 3D. La base es la luz y el cómo interacciona con los elementos físicos sobre los cuales se proyecta.
La perspectiva
Es una técnica de representación de vital importancia, ya que el artista juega con ella, la transforma en representación de la realidad. Se representan los elementos tal cual están en su forma física y luego se transforman hasta crear otra realidad, engañando así a los sentidos. Es decir, un mapping no sería correcto si la creación no estuviese medida milimétricamente con la superficie a utilizar.
Por tanto, la ilusión de la tridimensionalidad se consigue mediante el tamaño, la textura o la luminosidad que se le da a la creación, y afectan al modo en el que el espectador lo percibe.
El sonido
Quizá sea el elemento menos imprescindible teniendo en cuenta los dos anteriores, sin embargo, el sonido es primordial en el mapping si se quiere llegar a hacer mayor el efecto o impacto de la creación sobre la superficie. Aumenta los efectos perceptivos de las proyecciones del mapping. Los mapping que se encuentran dentro de las actuaciones musicales seguirán de manera sincronizada los pasos de los artistas, para así crear la atmósfera más idónea para que el espectador pueda sumergirse en la historia y sensaciones. Por lo tanto, la música del artista marcará y guiará a los vídeos.
La música es un elemento fundamental que marca el ritmo y guía la atención del espectador. El uso del elemento sonoro se realiza a diferentes niveles, la banda sonora y los efectos especiales son recursos muy efectivos que ayudan a subrayar acciones en el vídeo como la caída de elementos o la construcción y deconstrucción de estructuras por ejemplo. De este modo, cuando una pared se cae, si va acompañada de efectos sonoros el impacto perceptivo se multiplica.

MÉTODOS

MÉTODOS

Existen varios métodos, técnicas y software a la hora de realizar un videomapping o mapping. Dos de los métodos son:
• Anamorfosis
• Trampantojo
Una anamorfosis o anamorfismo es una deformación reversible de una imagen producida mediante un procedimiento óptico (como por ejemplo utilizando un espejo curvo), o a través de un procedimiento matemático. Es un efecto perspectivo utilizado en arte para forzar al observador a un determinado punto de vista preestablecido o privilegiado, desde el que el elemento cobra una forma proporcionada y clara.
Trampantojo (de «trampa ante ojo»,8 del francés trompe-l'œil, «engaña el ojo») es una técnica pictórica que intenta engañar la vista jugando con el entorno arquitectónico (real o simulado), la perspectiva, el sombreado y otros efectos ópticos y de fingimiento, consiguiendo una "realidad intensificada" o "sustitución de la realidad". También se utiliza el término "ilusionismo".
Es decir, ambos métodos tratan de amoldar la realidad a lo que el artista crea conveniente. En el caso de la anamorfosis, lo hace a través de la deformación de la superficie sobre la que se proyecte. En el otro caso, el caso del trampantojo, es una manera de engañar visualmente al ojo para que parezca algo que no es, por ejemplo, que creamos que el edificio se está cayendo en pedazos gracias a la técnica de luz.

ANTECEDENTES E HISTORIA

El video mapping es como ya hemos dicho anteriormente, un tipo de videoarte. Consiste en proyectar o desplegar una animación o imágenes sobre superficies reales, normalmente inanimadas (aunque no siempre), para conseguir un efecto artístico y fuera de lo común basado en los movimientos que crea la animación sobre dicha superficie. Hoy en día, el mapping más habitual es el que vemos sobre los edificios monumentales acompañados de sonidos para efectuar un mayor espectáculo. De esta forma se permite una interacción con el público y se crea una relación entre el arte, la tecnología y la sociedad. Estas son características primordiales en el arte contemporáneo. Actualmente el Video Mapping no solo es una técnica de proyección, ya que puede ser utilizado por tecnologías como pantallas de leds, vídeo muros etc. Es importante también señalar que es algo muy nuevo, que como tal, ha empezado hace aproximadamente 10-15 años en idea, y los programas y técnicas preparados específicamente para ello, no tienen más de 6 o 7 años.

ANTECEDENTES E HISTORIA

Comunicar a la sociedad a través de la luz es algo que ha existido siempre y en función de los medios conocidos y las técnicas ha ido adaptándose en el tiempo. Probablemente, en el el caso del mapping este tenga su origen de las famosas representaciones de las sombras chinas, que comenzaron a utilizarse en el mundo del teatro de la dinastía Han (206-220 a. C.). Estas sombras no pretendían adaptarse sobre ninguna superficie, pero sí tenían esa idea de jugar con la luz y las técnicas que ellos tenían, para transmitir determinada información o entretenimiento y moldear, a su vez, la realidad.
A pesar de estas diferencias, el elemento común que es la luz es básico para que las sombras chinescas sean el antecedente del mapping. Además, gracias al uso de las mismas en el teatro chino se popularizó y llegó a Europa Occidental.
El segundo paso en la historia ha sido probablemente gracias a la aportación tanto de  Christian Huygens, fue un astrónomo, físico y matemático neerlandés, que entre otras proezas, llevo a cabo su teoría ondulatoria de la luz, como de Athanasius Kircher, que fue sacerdote jesuita, políglota, erudito, estudioso orientalista, de espíritu enciclopédico y uno de los científicos más importantes de la época barroca. Ellos inventaron la famosa “linterna mágica” es decir, llevaron a cabo por primera vez un proyector de secuencia de imagen a la gran pantalla, teniendo un éxito inmediato a la segunda mitad del s. XVII. Constaba previamente de la proyección de luz y recursos ópticos para crear las imágenes. En su inicio se popularizó entre la gente de clase alta, pero pronto se podían ver pequeñas proyecciones en las ferias donde siempre se intentaba innovar e impactar al público de todas las clases.
La gran mejora de las linternas mágicas fue más adelante cuando se les añadieron ruedas, que mezclaban con proyectores frontales, retro proyecciones y proyecciones sobre elementos sólidos. Esto sí que sería la técnica rudimentaria más próxima al mapping actual.
Si seguimos avanzando en la historia, debido a los avances tecnológicos del siglo XIX como: las fuentes de luz, la incorporación de las fotografías de las placas de vidrio y mejoras de la óptica, se sofisticó la fantasmagoría. Este concepto nace en Estados Unidos a la par que el videoarte en conjunto, es decir sobre la década de los 70. Es definido como una nueva conciencia que usa la tecnología de entornos multimedia por medio de pantallas múltiples, realidad virtual y performance. A fines del siglo XX, obras representativas como: Displacements (Michael Naimark, 1980-2005), Corps étranger (Mona Hatoum, 1994), Ebb y Please (Amy Jenkins, 1996), marcan el punto en el que el video mapping se puede extender a todo tipo de campos y proyectos.

VIDEOARTE EN LA ACTUALIDAD

En nuestros días el videoarte como ya hemos anticipado, se sigue produciendo. Actualmente está representado por dos variedades: de un solo canal y la instalación. El primer caso está muy próximo a la idea convencional de las pantallas de cine o televisión, un vídeo se proyecta como una sola imagen. Sin embargo, en el segundo caso, las obras de instalación implican un entorno al que adecuarse, varias piezas distintas de vídeo que se pueden presentar (o no) por separado, y/o cualquier combinación con otras formas artísticas como la escultura o la arquitectura. Esto último ha formado el arte del videomapping o mapping building.
También es importante hoy en día el arte electrónico y el arte digital de esta practica artística.

Videoarte. Antecedentes.

“Cada arte tiene su propio medio y el medio está especialmente equipado para cada tipo de comunicación. Cada medio cuenta algo que no puede ser dicho tan bien o de una manera tan clara usando el lenguaje convencional.” – John Dewey

El videoarte es un movimiento artístico, que apareció por primera vez hacia el año 1963 a medio camino entre Estados Unidos y Europa. Su máximo esplendor fue en las décadas de los 60 y 70 aunque evidentemente tiene mucha vida en nuestros días gracias a las nuevas tecnologías. 

Es, por tanto, un tipo de arte que se basa en imágenes con movimiento y está compuesto por vídeo y/o datos de audio. En sus inicios, experimentó las distintas tendencias de la época como fluxus, que es un tipo de videoarte consistente en ser simple, entretenido y sin pretensiones, tratar temas triviales, sin necesidad de dominar técnicas especiales ni realizar innumerables ensayos y sin aspirar a tener ningún tipo de valor comercial o institucional. También experimentaron el arte conceptual, las perfomances o el minimalismo.

Por otro lado, el videoarte puede no emplear uso de actores o sí emplearlos, dependiendo del interés del creador. Asimismo, puede prescindir o no de diálogos o adherirse cualquier de las otras convenciones que definen, por ejemplo, el cine como entretenimiento. 

En cuanto a los formatos del videoarte son infinitos: grabaciones que se emiten, vídeos en galerías o locales, cintas de vídeo en sus orígenes y ahora discos de DVD, instalaciones escultóricas, que dará lugar al llamado mapping, y también actuaciones en las que se incluyen las representaciones de vídeo. 

ANTECEDENTES DEL VIDEOARTE:

Es el descubrimiento de las cámaras el fundamento que ayudará a la creación del videoarte. En concreta, la invención de la técnica de la cámara oscura es muy relevante. Esta es una técnica utilizada para captar la luz en un material fotosensible, de tal manera que un pequeño agujero por el que entra una mínima cantidad de luz que proyecta en la pared opuesta la imagen del exterior. Así, los diferentes estilos artísticos, se ponen de manifiesto gracias a este invento.

Evidentemente, nada sería igual, si no se hubiese creado más adelante la cámara de vídeo. Esto nos permite ser más fieles a la hora de captar la realidad, no necesitamos el contexto que necesitamos en la cámara de fotos para interpretarla.

En cuanto a aparatos está claro el origen del videoarte, pero sin duda es sorprendente que uno de los padres de este arte ha sido el pintor Salvador Dalí junto con José Valdelomar, Nam June Paik y Wolf Vostell. Se les considera pioneros, siendo Dalí reclamado como el padre del videoarte tras el descubrimiento de la proyección de la obra "Caos y creación", en la que el artista español parodia el arte de Piet Mondrian y El Bosco, realizada junto con el artista Philippe Halsman, la obra fue realizada para ser proyectada en abril de 1960, en la Fifth Annual Convention on Visual Communications, celebrada en el hotel Waldorf de Nueva York.

Sin duda también son importantes para el videoarte los vídeos experimentales. Es el caso de Bill Viola, que también trabajó en los setenta y es autor de vídeos experimentales con tratamiento plástico y su trabajo parte de la música. Le interesa la historia de la pintura, sobre todo la del Renacimiento y el Barroco, y la idea de retablo formado por imágenes que componen narraciones. Es conocedor, además, de las filosofías orientales, del sufismo al zen, por eso su producción tiene cierto contenido trascendente y en ella abundan las referencias a los cuatro elementos y a la relación del hombre con ellos.